René François Ghislain Magritte (1898 Lessines - 1967 Brüssel)

Das "Kuckucksei" (Eluard) im Pariser Surrealismus.

Kindheitserinnerung in einem Vortrag berichtet (1938)
„In meiner Kindheit spielte ich gerne mit einem kleinen Mädchen auf einem verlassenen Friedhof einer kleinen Provinzstadt. Wir durchstreiften die unterirdischen Gewölbe, deren schwere Eisentüren wir anheben konnten, und wir stiegen wieder ans Licht, wo ein Maler aus der Hauptstadt in einer Friedhofsallee malte, die sehr malerische war mit ihren zerbrochenen, über das welke Laub verstreuten Steinsäulen. Die Kunst des Malers erschien mir damals magisch und der Maler mit den höheren Kräften begabt. Leider habe ich später gelernt, dass die Malerei sehr wenig Bezug zum direkten Leben hatten und dass jeder Befreiungsversuch vom Publikum immer verhöhnt worden ist. Millets Angelus war zu seiner Zeit ein Skandal; man beschuldigten den Maler, die Bauern zu beleidigen, wenn er sie so darstellte, wie er es tat. Man wollte Manets Olympia zerstören, und die Kritiker warfen diesem Maler vor, in Stücke geschnittene Frauen zu zeigen, weil er von einer hinter einer Theke stehenden Frau nur den Oberkörper zeigte, während der untere Teil von der Theke verdeckt wurde. Zu Lebzeiten Courbets galt es als ausgemachte, dass er einen sehr schlechten Geschmack hatte, sein falsches Talent so auffällig zur Schau zu stellen. Ich habe auch gesehen, dass die Beispiele dieser Art unendlich waren und sich auf alle Bereiche des Denkens erstreckten. Was die Künstler selbst betrifft, so verzichteten die meisten leichthin auf ihre Freiheit und stellten ihre Kunst in den Dienst von irgendwem oder irgendwas. Ihre Sorgen und ihre Ambitionen sind im allgemeinen dieselben wie die des erstbesten Karrieristen. So erwarb ich mir ein gründliches Misstrauen gegenüber der Kunst und den Künstlern, ob sie nun offiziell anerkannt waren oder danach trachteten, es zu sein und fühlte, dass ich mit dieser Zunft nichts gemein hatte. Ich hatte einen Anhaltspunkt, der mich anderswo festhielt, und das war jene Magie der Kunst, die ich in meiner Kindheit kennengelernt hatte. Im Jahr 1915 versuchte ich, die Position wiederzugewinnen, die es mir erlauben würde, die Welt anders zu sehen, als man mir vorschreiben wollte. Ich besaß einige technischen Fertigkeiten in der Kunst des Malens und in der Isolation machte ich Versuche, die sich absichtlich von allem unterschieden, was ich in der Malerei kannte. Ich empfand die Lust an der Freiheit, indem ich die unkonventionellsten Bilder malte. Da wollte es ein einzigartiger Zufall, dass man mir mit einem mitleidigen Lächeln, mit dem blöden Gedanken, mir zweifellos einen gelungenen Streich zu spielen, den bebilderten Katalog einer Ausstellung futuristischer Gemälde überreichte. Vor Augen hatte ich eine gewaltige Herausforderung des gesunden Menschenverstands, der mich so langweilte. Es war für mich dasselbe Licht, das ich immer wiederfand, wenn ich aus den unterirdischen Gewölben des alten Friedhofs stieg, wo ich als Kind meine Ferien verbrachte.“

Das Reich der Lichter, 1954

Dies ist wohl sein berühmtestes Gemälde. Es verdankt seinen Titel dem Dichter Paul Nougé.
Ein nächtlicher Ort unter einem taghellen Himmel. Erst auf den zweiten Blick wird dem Betrachter die Surrealität dieser so lebensnah gemalten Szenerie bewusst. „Im Reich der Lichter habe ich verschiedene Vorstellungen wiedergegeben, nämlich eine nächtliche Landschaft und einen Himmel, wie wir ihn am Tage sehen. Die Landschaft lässt an Nacht und der Himmel an Tag denken. Ich finde diese Gleichzeitigkeit von Tag und Nacht hat die Kraft zu überraschen und zu bezaubern. Ich nenne diese Kraft Poesie.“ R.M.

Der bedrohte Mörder, 1926, Museum of Modern Art, N.Y.

Magritte war ein Fan von den Geschichten des berühmten „Fantomas“, der sich in immer wieder neuen Masken versteckte. 1925 machte Magritte die Bekanntschaft mit dem Gemälde „Das Lied der Liebe“ von Giorgio de Chirico. „Das war einer der bewegendsten Momente in meinem Leben: zum ersten Mal haben meine Augen den Gedanken gesehen.“
Der Mann mit dem Bowler ist inspiriert durch ein Gemälde Max Ernst aus der Tate Gallery „Pietà oder Revolution bei Nacht“, 1923. Hier wiederum hat Ernst ein Werk de Chricos verarbeitet, in welchem dieser seinen Vater porträtierte: Das Gehirn des Kindes, 1914

Nichts ist wie es scheint!
r. magritte

Hegels Ferien, 1958

In einem Brief an die Kunstkritikerin Suzi Gablik erklärte Magritte die Entstehung dieses Gemäldes:
„Mein jüngstes Gemälde begann mit einer Frage: wie konnte man ein Glas Wasser in einem Gemälde zeigen, ohne dass es indifferent wirken würde? Oder wunderlich, oder willkürlich, oder schwach – es sollte uns ermöglichen, das Wort auf geniale Art und Weise zu benutzen (Ohne falsche Besinnlichkeit) Ich begann, viele Gläser Wasser zu zeichnen, immer mit einer linearen Markierung auf dem Glas. Diese Linie wurde nach 100 oder 150 Zeichnungen ausgeweitet und hatte letzten Endes die Form eines Regenschirms. Den Regenschirm stellte ich erst in das Glas und dann, um es abzuschließen, unter das Glas. Das war genau die Lösung der Ausgangsfrage: wie man auf geniale Weise ein Glas Wasser malen könnte. Ich dachte dann, dass Hegel (ein weiteres Genie) dieses Objekt mit den zwei gegensätzlichen Funktionen sicher sehr gut verstanden hätte: zur selben Zeit Wasser abstoßend und aufnehmen. Ich glaube, er wäre begeistert gewesen – oder er wäre amüsiert gewesen: wie man meistens in den Ferien ist. Und ich nannte das Bild „Hegels Ferien“

Die Riesin, 1929/31

Baudelaires Gedicht – von dem es noch andere Fassungen gibt als diejenige, die Magritte als Anregung diente – beschreibt die wunderbaren und sinnlichen Kräfte der Poesie. Magritte sucht genau das in seinem Bild umzusetzen. Das Bild irritiert den Betrachter, denn die Größenverhältnisse folgen nicht den gewohnten Seherfahrungen. Beziehungslos stehen in einem bürgerlichen Raum eine nackte Frau und ein winziger Mann mit schwarzem Anzug gegenüber. Die literarische Entsprechung zur Bildgeschichte ist rechts im schwarzen Feld wiedergegeben.
Die Riesin. Zuzeiten, da eine schlechte, doch gnadenvolle Welt die eitlen Hoffnungen deiner Augen in ihren Farben wiegt, wächst inmitten meines Lebens eine Riesin auf in arrogante Maske deine Götter missachtend. Nur für mich vergehend ringt ihr großer Leib nach Atem, ermattend nur, um neu zu erstehen, in düsterer Flamme, die die schwebenden Nebel in ihren Augen zerreißt. Für immer ihrer Glieder Pracht durchschreitend, habe ich ihre mächtigen Knie erklommen. Bisweilen im Sommer, wenn unheilvolle Sonnen sie, die Müde, in meine Träume senken, schlafe ich ruhig im Schatten ihres Busens ein ohne einen anderen Traum als den, in den ihr Traum mich taucht.

Der Originaltext ist von Magritte wesentlich verändert worden.
Der Text folgt den sprachlichen Bildern nicht aber den Worten.
Paul Nougé hat Baudelaire-Plagiate gedichtet. Hinter solch einem Vorgehen steckt der Dada-Gedanke, der sich auch gegen die unantastbare Vorstellung des Originals gewandt hat !!!
René Magritte hat sich übrigens auch an Renoir-Plagiaten versucht.
Das Modell für die Riesin ist nicht – wie sonst – seine Frau Georgette, sondern Martha Nougé

Charles Baudelaire: Die Riesin

Zur Zeit, da noch von Säften schwoll die Welt
Und täglich neue Urzeitkinder wiegte,
Hätt gern ich junger Riesin mich gesellt,
Wie Katze sich an eine Fürstin schmiegte.

Zu schaun, wie Leib mit ihrer Seele blühte,
Und wie sie frei erwuchs in grausigen Spielen;
Erraten, ob ihr Busen Flammen brüte,
Aus feuchten Nebeln, die ihr Aug umspielen,

Und gern durchzogen ihrer Glieder Pracht,
erklommen ihre Kniee steile Matten,
Und sommers, wenn vor giftiger Sonnen Acht

Die Flur die Müde sich zu legen lud,
Hätt ich geschlafen in der Brüste Schatten,
Wie Weiler sanft am Fuß des Berges ruht.

Die Domäne von Arnheim, 1938

Von dem amerikanischen Schriftsteller Edgar Alla Poe stammt die Erzählung „Die Domäne von Arnheim“, in der einige Passagen mit Beschreibungen von Landschaften und Gebirgen vorkommen. Poe, der besonders für seine Geschichte, die „das Unheimliche, Grauenvolle, Übersinnliche in beklemmender Spannung“ behandeln, bekannt ist, schreibt darin: „Es gibt in der Natur keine dekorative Zusammenstellung, die der geniale Maler nicht herstellen könnte.“
Es existieren mehrere Fassungen dieses Bildes und eine Reihe von Studien dazu.

Der Verrat der Bilder, 1929, Los Angeles Museum of Art

„Die berühmte Pfeife...? Man hat sie mir zur Genüge vorgehalten! Und trotzdem... können Sie sie stopfen? Nein, nicht wahr, sie ist nur eine Darstellung. Hätte ich unter mein Bild geschrieben „Dies ist eine Pfeife“ geschrieben, hätte ich gelogen!“

Das Gemälde zeigt eine relativ realistisch gemalte Pfeife, unter der in alter Schulschrift steht: „Das ist keine Pfeife“. Und tatsächlich ist es keine Pfeife - eine Pfeife ist ein reales Objekt - sondern nur das Bild einer Pfeife, also Kunst. Gemälde und Realität sind zweierlei. Oder ist das dargestellte Objekt, das wir als Pfeife zu erkennen glauben, etwa gar keine Pfeife. Das Bild trägt auch den weniger bekannten Titel „L Trahision des Images, Der Verrat der Bilder.“
Es existieren verschiedene Ausführungen, die zwischen 1928 und 1966 entstanden.

"Die Malkunst - die wahrhaft Kunst der Ähnlichkeit genannt zu werden verdient - erlaubt es, im Malen ein Denken zu beschreiben, das sichtbar werden kann. Dieses Denken umfasst ausschließlich die Figuren, die die Welt uns bietet: Personen, Vorhänge, Waffen, feste Körper, Inschriften, Sterne usw. Die Ähnlichkeit vereinigt diese Figuren spontan in einer Ordnung, die unmittelbar das Geheimnis evoziert."

La condition humaine, 1933

Vor einem Fenster mit Blick nach draußen platzierte ich eine Leinwand, auf der genau der Abschnitt dargestellt war, der von der Leinwand verdeckt wurde. So versteckte der Baum auf dem Gemälde den Baum draußen. Für den Betrachter war der Baum beides: im Raum auf dem Bild und draußen in der realen Landschaft. Die gleichzeitige Existenz in zwei unterschiedlichen Räumen ist wie wenn man gleichzeitig in der Vergangenheit und der Gegenwart leben würde – wie bei einem déja vu.
„Jedes Ding, das wir sehen, verdeckt ein anderes, und wir würden sehr gerne sehen, was uns das Sichtbare versteckt...“

Die Blankovollmacht, 1965

„Sichtbare Dinge können unsichtbar sein. Wenn jemand ein Pferd durch den Wald reitet, dann sieht man sie zuerst, dann wieder nicht, aber man weiß, dass sie da sind. In der Blankovollmacht verbirgt die Reiterin die Bäume, und die Bäume verbergen sie. Aber unser Denken umfasst beides, das Sichtbare und das Unsichtbare. Und ich benutze die Malerei um das Denken sichtbar zu machen.“

Magritte und die Folgen

Magritte gilt als Vorläufer und war eine wichtige Inspirationsquelle der Pop Art und der Konzeptuellen Kunst. Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Roy Lichtenstein und Andy Warhol kauften Mitte der 50er Jahre Arbeiten von Magritte. Jasper Johns nimmt Motiv- und Wortideen Magrittes auf. Das Vermächtnis Magrittes, bei dem es weniger um das eigentliche Motiv oder das gemalte Objekt geht, als vielmehr um die Visualisierung einer Idee oder eines Konzeptes, die unabhängig von ihrer materiellen Ausführung existieren kann. Der Magritte-Effekt erkärt die ungeheure Faszination, die Magritte auf viele Betrachter auch heute noch ausübt. Der Betrachter stürzt in einen Abgrund.

Magritte liebte klassische Musik, las viel, von Philosophie über Detektivgeschichten bis zu Gruselstories, war ein passionierteer Kinogänger und lebte ansonsten eher zurückgezogen ein fast biederes Leben. Schon seine formalisierte Unterschrift gibt nichts von ihm preis. Auch sein äußeres Erscheinungsbild entsprach so gar nicht der Vorstellung eines Bohème. Hinter dieser Maske steckte jedoch mehr! Er hatte ein entschieden subversives Temperament. Er zwingt den Betrachter, seine vorgefertigten Ideen der Wirklichkeit zu überdenken, seine Denkgewohnheiten zu durchbrechen und auch ihre Verhaltensmuster zu analysieren. Er zwingt den Betrachter in eine neue und höhere Aufmerksamkeit gegenüber seiner Umgebung. Magritte kehrt die gewöhnliche Wahrnehmung um: die Dinge, die er malt, sind allesamt deutlich erkennbar, sie stammen aus der Sphäre des Banalen und Alltäglichen, aber sobald sie gemalt sind auf eine höchst akademische Art, eine Lektion wie im Sachkundeunterricht in der Grundschule, verändern sie sich, und alles gerät ins Wanken. Denn Magritte präsentiert die Dinge nach einer poetischen Logik, nach einer Ordnung, die sie in ein ganz neues Licht setzt und mit einer gänzlich neuen Kraft ausstattet. Mit der Welt der Erscheinungen geht er provozierend und verwirrend frei um.

Steckt etwa das Mysterium des Lebens dahinter??? Sollte sich ein religiöser Unterton bei Magritte eingeschlichen haben, der ihn abgrenzt gegenüber den üblichen Ironisierungen der Surrealisten/Dadaisten??